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ImmagineParlando di cinema, esistono pellicole per le quali il tempo non sembra passare mai, ed è più che salutare lasciarsi andare ai sentimentalismi, al ricordo di sensazioni distorte dal passare del tempo e alla freschezza del trasporto che solo una sana ingenuità è capace di regalare. Una di queste è, almeno per quanto mi riguarda, Classe 1999. Film diretto da Mark L. Lester nel 1989 e versione più tamarra e meno riflessiva del suo precedente Classe 1984, da cui praticamente eredita solo il tema della violenza nelle scuole.

Per godersi in pieno un film come Classe 1999 è necessario, appunto, essere dei sognatori. Ma non parlo di chi sogna gli unicorni che cavalcano arcobaleni e principi azzurri vari, bensì chi sogna di radere al suolo qualsiasi ostacolo verso la propria libertà.

Ovviamente, essendo un film ambientato in un liceo, più lo spettatore è carico di odio verso la scuola, i professori e tutto ciò che potrebbe far parte della routine di un ragazzino, più la goduria sarà assicurata.

Abbiamo un futuro, a quei tempi non troppo lontano, in cui le scuole erano assediate da gang di balordi che avevano terreno fertile per fare di tutto fuorché aprire un libro. Uno sfigatissimo preside (il mitico Malcolm McDowell) e uno stronzissimo scienziato (uno Stacy Keach dagli occhi inquietanti) tentano di ristabilire l’ordine e dare l’esempio, utilizzando tre robot da combattimento travestiti da insegnanti (Pam Grier, Patrick Kilpatrick e John Ryan), per ristabilire la disciplina nelle classi. Tutto sembrerebbe funzionare alla perfezione, se non fosse che i robot iniziano a farsi prendere troppo la mano con le punizioni agli allievi, finendo per dare il via a un massacro.

Ora: io con la scuola ho sempre avuto un brutto rapporto, ma se con la vita da studente era un rapporto di amore e odio, quello con i professori è stato sempre e solo un rapporto di odio. Per questo riesco a sentirmi inebriato, e a tornare al livello intellettivo della pietra pomice, ogni singola volta che vedo Classe 1999. Da una parte vivo l’estasi del lato nerd della mia anima, che sognava di vedere robot del genere anche nella realtà e non solo nei suoi sogni erotici con la fidanzata di Mazinga Z. Dall’altra parte, invece di qualche variabile che mi aiuti a bilanciare l’equazione e restare coi piedi per terra, trionfa l’odio per i professori, specialmente quelli che disprezzano tutto ciò che è divertimento e spirito di classe.

Inutile dire che la mia simpatia va tutta al protagonista, interpretato da Bradley Gregg, che riesce a rompere il culo ai robot e a farsi inesorabilmente la figlia acqua e sapone del preside (una Traci Lind che riesce ancora a fare la sua bella figura), cosa che, ai tempi del liceo, ti rendeva famoso e stimato quanto uno che riesce a vincere da solo la guerra in Vietnam usando una pistola ad acqua e una fialetta puzzolente.

Dato i presupposti, quindi, mi è impossibile non adorare e promuovere in toto Classe 1999. In fondo è un piccolo cult generazionale e si sa, in questi casi, ogni limite riusciva ad essere nascosto dall’affetto e la passione che il film sapeva trasmettere. Se si fossero avuti più soldi per ingaggiare nomi più famosi, o avere effetti speciali di migliore qualità (e va tenuto presente che, nonostante l’età, sono ancora più che dignitosi), probabilmente si sarebbe parlato di tutt’altro film.

Questa piccola chicca della fantascienza (che poi a vedere come e in che direzione le cose nelle scuole siano cambiate con gli anni una riflessione su quanto sia stato avanti con i tempi questo film diventa inevitabile), dimostra ancora una volta che, se dietro a un progetto c’è una storia scritta, diretta e interpretata con la giusta passione, il budget è solo un aspetto marginale per chi dal film viene catturato ben prima di avere la VHS tra le mani.

Paranormal Experience 3D

Decisamente penoso. Basterebbero queste parole a liquidare questo film ed evitare a qualcuno di perdere 90 minuti della propria vita. Ma per quelli che non hanno abbastanza spirito di conservazione per fidarsi, andiamo ad analizzare cosa sprofonda Paranormal Xperience nell’oblio senza fine.

Tanto per cominciare, la storia. Penosa e priva di alcuno spunto originale, si riduce a un miserabile copia e incolla di parti di sceneggiature già viste e riviste, e non si può certo dire che si trattasse di idee troppo valide anche quando sono state viste la prima volta.

C’è il solito gruppo di studenti fighetti e arrapati che decidono di girare un reportage su un paesino di minatori abbandonato dove il medico locale impazzì e iniziò a sterminare tutti torturandoli a morte. Ovviamente il paese pare essere ancora infestato, quindi l’idea di passare la notte isolati nel paese non può che essere vincente. Quasi come l’idea di separarsi dal gruppo al minimo accenno di rumore inquietante, cosa che innescherà l’immancabile sequenza di morti violente e premature (in cui, però, il sangue viene dosato con la massima parsimonia).

Ma le note dolenti non finiscono qui, la recitazione è al limite della soap opera e sembra evidente che i protagonisti siano scarti del cast di Paso adelante che, al confronto, sembra l’Amleto. Il cattivo di turno, o presunto tale, ha un aspetto semplicemente ridicolo. Probabilmente Casper saprebbe spaventare di più, senza contare che non si capisce mai se sia un fantasma invisibile o un’entità tangibile, almeno fino al più che prevedibile colpo di scena finale, che è quanto di più penalizzante si possa vedere in un film horror sui fantasmi. Anche le parti del film in cui si tenta di decifrare le personalità dei personaggi scivolano nel ridicolo alla velocità della luce, tra improbabili traumi infantili (tutti riguardanti le donne) e banali perversioni represse (riservate esclusivamente agli uomini). Non male, però, la location del paesino abbandonato, probabilmente un regista più a suo agio con il genere l’avrebbe sfruttata meglio.

Anche stavolta siamo di fronte ad un’occasione sprecata. Il 3D non viene praticamente sfruttato e finisce per rendersi utile quanto una scorreggia in bottiglia, non perchè la tecnologia sia effettivamente valida o meno (cosa che non sempre si riesce a capire), ma perchè in tutto il film non c’è una sola scena in cui venga utilizzato come si deve, complice anche una mediocrità generale a livelli imbarazzanti.

Un vero peccato che si siano spesi soldi e tempo per un film così approssimativo, il cui unico merito (per quelli che devono per forza vedere il buono in ogni cosa) è quello di aver regalato un briciolo di notorietà a dei ragazzi con il viso da poster che probabilmente non rivedremo mai più su uno schermo.

La speranza è che l’avvenire della scena horror spagnola sia almeno all’altezza dell’exploit che l’ha portata alle cronache, perchè così non ci siamo proprio, e troppi passi falsi come questo rischiano di far dimenticare in fretta anche i migliori lavori di Balaguerò o Del Toro.

C’era un tempo in cui la gente per bene poteva dormire sonni tranquilli, perchè poteva sempre contare sulla sicurezza che, nei momenti più oscuri e nefasti, qualcuno avrebbe partorito un’idea talmente idiota da risultare geniale, facendo tornare ad ardere il sacro fuoco dell’ignoranza e del super coattume cinematografico.

Nell’ormai lontano 1981, i campioni indiscussi e acclamati di tutto l’universo in quella particolare disciplina chiamata Merdathlon furono H.A. Milton (suo il merito di una sceneggiatura la cui eleganza rivaleggia con le scoreggie di Bombolo), un formidabile tridente composto da Ovidio G. Assonitis, Chako Van Leuwen e Jeff Schechtman alla produzione e, ciliegina sulla torta: James Cameron alla regia (che subito dopo aver terminato le riprese deve aver inventato il flusso canalizzatore che gli permise di dare una notevole raddrizzata alla propria carriera). Grazie a questo dream team, a noi comuni mortali fu concessa la possibilità di gustarci il sequel di Piranha (il film di Joe Dante, non certo il remake), uno dei pochi film del filone eco-vengeance capace di reggere il confronto con Lo Squalo di Spielberg.

Ovviamente, un film di tale caratura si trova a suo agio accanto al suo predecessore come Eros Ramazzotti si troverebbe a suo agio a cantare nei Metallica, ma il film diretto da Cameron può vantare dei pesci piranha incazzati e dotati di ali (non è uno scherzo, non ho visto male, qualcuno ha avuto il coraggio di produrre questa idea per davvero!). Comunque, in mondo incantato in cui i buchi di sceneggiatura sono solo leggende metropolitane, ritroviamo un altro branco di piranha vittime di esperimenti militari (visto che nel film di Joe Dante tali esperimenti avevano portato notevoli migliorie alla qualità della vita dell’uomo, non ci sorprende che qualcuno abbia pensato bene di farci porcate ben peggiori), ad infestare le pacifiche acque nei pressi di un villaggio, che potrebbe essere tanto jamaicano quanto romagnolo, rovinando la festa a chiunque decida di divertirsi troppo in vacanza. Ovviamente sulla loro strada troveranno uno stracazzuto sceriffo interpretato da Lance Henricksen e aiutato dalla notevole Tricia O’Neil nel ruolo dell’ex moglie istruttrice subacquea e aspirante Sigourney Weaver.

Sia chiaro che quando si parla di film eco-vengeance tendo a non ragionare troppo sul giudizio, che questo film è stato una delle colonne portanti della mia infanzia al pari de Lo Squalo, Piranha (sempre di Dante) e Grizzly l’orso che uccide, e che nutro la massima stima per l’idea di dotare di ali i pesci piranha (talmente perversa, cafona e malsana da risultarmi irresistibile). Il film, per me, è uno splendido b-movie a stelle e striscie capace di rendere il massimo se si guarda in un drive-in, ma ai palati più raffinati risulterà sicuramente una cazzatona di livello biblico, paragonabile alle peggiori produzioni di casa Asylum.

American psychoPer quanto io sia dell’opinione che ogni storia vada raccontata, ammetto che questo romanzo di Bret Easton Ellis sia un vero pugno allo stomaco. Non che io sia di gusti delicati, anzi, ho iniziato a masticare pane e splatter da quando ho finito la quinta elementare. Eppure in questo romanzo, più di una volta, lo stomaco viene messo a dura prova con scene di una violenza e di una crudeltà che ho visto raramente.

Se si considera, inoltre, che questo libro ha anticipato di diversi anni la recente inclinazione voyeuristca che ha invaso l’horror negli ultimi tempi, capiamo quanto la storia e certi passaggi in particolare abbiano una potenza devastante.

Brett Ellis ci fa sprofondare nella vita di Patrick Bateman un giovane e ricco yuppie di Manhattan, impiegato in un ruolo prestigioso  a Wall Street. Ma mentre di giorno Patrick vive una vita basata su pranzi di lavoro, locali alla moda e riunioni a base di cocaina tra amici, al calare delle tenebre lascia che la sua frustrazione esploda, tramutandosi nell’assoluto disprezzo degli emarginati, invidia nei confronti dei colleghi, e totale distacco verso le donne, rivelando la personalità del serial killer che da sempre è in lui.

La cosa più assurda nel modo di raccontarci la vita di Bateman che Ellis utilizza, è l’indifferenza e la non curanza totale con la quale si passa dalle fantasie più spietate e sadiche, ai dialoghi più inutili e vanesi che mi sia mai capitato di leggere. Poi, proprio quando si pensa di aver acquistato una versione anni ’80 di Sex and the City, la pazzia di Bateman (e a volte viene il dubbio che lo stesso Ellis ne sia affetto) colpisce durissima, rapida e implacabile come olio bollente che schizza di colpo sulla pelle. La tecnica funziona alla grande, sia chiaro, tranne qualche “vuoto mentale” realizzato lasciando in sospeso il capitolo proprio nel bel mezzo di una frase che stacca fa spesso girare la testa per la rapida del tutto. Il lettore, infatti, si trova avvolto nella vuota routine di uno yuppie alla perenne ricerca di qualcosa che, nonostante i mezzi a disposizione gli consentano di ottenere qualsiasi cosa, continua a non trovare. Tentando di colmare quel vuoto con omicidi sempre più efferati.

Se nella prima parte del racconto Ellis vuole tenere sotto controllo ogni situazione, cercando di ricoprirla con una patina di normalità, dopo qualche capitolo si comincia a precipitare in un delirio in cui ci si trova completamente immersi prima di rendersene conto. Non si ha il tempo di riflettere su quello che succede attorno al protagonista, che ci si ritrova coinvolti in un’orgia o in un massacro a base di torture ai danni delle vittime più impensabili.

E credetemi, se fate fatica a tenere gli occhi aperti guardando film come Saw, Hostel o Martyrs perchè pensate che abbiano sorpassato le frontiere della sadicità e della tortura, il romanzo di Ellis, scritto nel 1991, non fa decisamente per voi. Direi che la celebre citazione di Nietzsche “Quando guardi a lungo nell’abisso l’abisso ti guarda dentro” si sposa alla perfezione con quello che, probabilmente, susciterà nei lettori meno abituati questo romanzo. Quindi se per voi i serial killer sono persone cattive che uccidono e poi vengono beccati dell’agente dell’FBI di turno, è meglio che leggiate Twilight, perchè anche Hannibal Lecter sembra Pippo di Walt Disney in confronto a Patrick Bateman.

Consigliato, ma solo a chi non è impressionabile. A tutti gli altri, se proprio dovete ficcare il naso, guardate il film. Ma sappiate che tutte le scene di violenza e pornografia sono state tagliate o ridimensionate in un modo che definire drastico sarebbe riduttivo.

Quel Motel Vicino alla PaludeSporco. Malsano. Claustrofobico. Bastano questi tre aggettivi a descrivere il film di Tobe Hooper. Un lavoro che in molti, spesso, tendono a giudicare inferiore al ben più famoso ed osannato “Non aprite quella porta”, ma che, al contrario del suo predecessore, non lascia alcun senso di liberazione dall’angoscia e dall’orrore al termine della visione. Il regista texano porta in scena l’altra faccia della provincia americana, e lo fa senza filtri o censure, mostrando scenari e personaggi marci e psichedelici come non riuscirà più a fare nelle sue opere successive (Il tunnel dell’orrore si potrebbe salvare, ma non raggiunge comunque picchi del genere).

Se per “Non aprite quella porta”, Leatherface e gli altri personaggi e i fatti furono ispirati alle gesta di Ed Gein, qui Hooper spinge il piede sull’acceleratore della fantasia, sfornando caratterizzazioni a dir poco inquietanti, estremizzando al massimo ciò che a suo tempo produsse Psycho.

In questo film non c’è traccia di famiglie felici che viaggiano su una station wagon. Non troveremo ragazzi del college che fanno gli eroi e fanno innamorare la reginetta del ballo. Non troveremo paesaggi incantevoli in cui sarebbe splendido fare un pic nic e rotolarsi nel prato parlando del futuro. Qui abbiamo maniaci sessuali (da applausi la prova di un giovane Robert Englund la cui carriera ancora doveva prendere forma), prostitute, alcolizzati, pazzi sadici e famiglie allo sfascio. Tutto diretto in maniera disturbante tra ambientazioni perfettamente squallide e ammuffite come il motel, un bordello e il bar in cui nessuno sano di mente si fermerebbe a bere una spuma.

Chi entra allo Starlight Hotel (questo è il nome dell’albergo in cui il film è ambientato), resta schiacciato da paranoie e sudiciume, chiuso a chiave dall’esterno in una stanza a cui confronto, anche l’angolo più buio del Bates Motel sembrerebbe una camera da letto pre confezionata dell’Ikea. Qui ogni parete è marcia e sudicia, racchiusa in spazi angusti e vittima di un’illuminazione psichedelica (volutamente estremizzata dal regista per sovraccaricare i sensi dello spettatore).

E veniamo all’odiato momento del “racconta la trama per rendere l’idea”: Judd (Neville Brand) è un reduce di guerra paranoico e serial killer. Il suo modus operandi consiste nell’uccidere i clienti del suo fatiscente motel per poi gettarli in pasto all’alligatore che vive nella palude accanto allo struttura. E’ in questo motel che si incrociano le vicende di una famiglia all’apparenza qualunque, un padre in cerca della figlia prostituta e altri personaggi dalla moralità a dir poco non pervenuta.

In sostanza ci si trova di fronte a quella che gli amanti degli horror ambientati nella provincia americana (quella vera, non quella fatta di football e sorrisi tra bei ragazzi) potrebbero definire l’opera migliore di Tobe Hooper. Chi ha apprezzato e vissuto il disturbo trasmesso da “Non aprite quella porta” si potrà godere una nuova ondata di malesseri vari, volti a mostrare la parte più scomoda e degenerata dell’america di quegli anni. Quelli a cui il secondo film di Hooper ha creato disturbi seri e rivoltamenti di stomaco, è meglio si tengano alla larga da questo terzo film, perchè, sebbene la storia possa considerarsi banale, già vista e linerare, tutto viene estremizzato in maniera superba colpendo in pieno i punti deboli di tutti quelli che si credono al sicuro, sprofondati nella poltrona di casa a guardare il film e mangiare schifezze. Ma per tornare a sentirsi protetti dal caldo abbraccio della vita, sarà sufficiente evitare di guardare “Il tunnel dell’orrore” (quinto film come unico regista di Hooper) e proseguire in tutta sicurezza verso il resto della filmografia del Tobe Hooper regista.

 

Raramente è capitato, o forse non è ancora mai successo, che un remake si sia elevato, o abbia addirittura superato, la qualità e la bellezza del film da cui ha tratto spunto. Fortunatamente, nel caso di The Blob, è successo esattamente questo.

Il film originale, uscito nel 1958, era uno spasso da drive-in per tre principali motivi: è ambientato in un paesino in Pennsylvania, c’è Steve McQueen e c’è un alieno cattivo. Questi tre semplici elementi, non si limitavano a far girare l’industria cinematografica americana di un tempo, ma contribuiscono da sempre ad attirare plotoni di nerd che sognavano di cavalcare una moto dotata di modella tettuta come il protagonista di turno.

Purtroppo il film del ’58 è rimasto penalizzato dai mezzi dell’epoca ed esce con le ossa discretamente tritate dal confronto con questo remake. Infatti, la versione anni ’80 del film ha una marcia in più su quasi tutti i fronti (trovare uno Steve McQueen è tutt’ora impossibile e non basta certo sostituirlo con un Kevin Dillon qualunque). Inanzitutto è stato risceneggiato da Frank Darabont (che di sceneggiature belle e appassionanti ne ha realizzate parecchie) e da Chuck Russel (che lo ha anche diretto). Inoltre, nel casta troviamo una giovane Shawnee Smith (che recentemente è tornata famosa interpretando la stronzissima Amanda nella saga di Saw), e, piccola curiosità, un’esordiente Erika Eleniak (ma quest’ultima chicca la potranno apprezzare solo i fan di vecchia data di Baywatch). Oltre ad avere un pedigree rispettabilissimo, questo The Blob è anche più colorato e sfarzoso, ha un blob più realistico, ed è decisamente più splatter e spietato. Basti vedere la scena del tizio che viene preso per la testa e risucchiato nello scarico del lavandino che, a mio avviso, vale da sola la visione del film e si piazza nella top five delle scene più impressionanti che io abbia mai visto.

Oltre ad essere uno dei remake meglio riusciti che mi sia mai capitato di vedere, The Blob si fa apprezzare anche per un cast umile ma degno del massimo rispetto, pieno di ottimi caratteristi e volti noti ai fan dell’horror anni’80 che contribuiscono non poco a creare quell’atmosfera vincente che ti fa sentire sempre a casa di amici e che ti inchioda, sempre e comunque, allo schermo, mentre quella vocina fastidiosa che ripete al tuo cervello che stai guardando una cazzata di film viene allegramente mandata a farsi fottere.

Il bello di questi film è proprio questo: tu lo sai bene che non sono perfetti, che ci sono degli errori o che, semplicemente, è tutto troppo incongruente per applaudirlo. Ma in quei due secondi spesi a formulare queste inutili considerazioni un bifolco qualsiasi in camicia di flanella o un quarterback con la giacca del liceo hanno già fatto qualcosa che ti ha spinto a prendere la prima schifezza ipocalorica masticabile dalla dispensa, a stappare una birra fresca e ad allungare le gambe decretando l’arrivo inesorabile del rutto libero e dello spanzamento creativo. E a quel punto ti ritrovi senza, saperlo spiegare, all’interno del film. Ospite d’onore nel bel mezzo di un’avventura che mai avresti potuto vivere.

In sostanza, The Blob è l’ennesimo emblema di cinema che non viene più fatto, e probabilmente non riuscirà più a venir fatto per molto tempo. Nonchè una lezione importante su come realizzare un buon prodotto anche quando la fantasia di scrivere qualcosa di nuovo viene a mancare. Per non parlare della forza con cui dimostra, dopo 23 anni, che quando un film viene girato con cuore e passione il risultato non potrà che essere eccellente sotto ogni aspetto.

 

Apocalisse ZUna dichiarazione d’amore a tutti gli effetti. Questo ha voluto scrivere Manel Loureiro nella sua opera dedicata agli Zombi. Amore per i morti viventi che vengono generati da cause degne del miglior b-movie da drive in. Amore per il lento ed implacabile avanzare di un esercito di creature che hanno come unico scopo quello di divorare i pochi umani soprivvissuti. Amore per quella tradizione così deliziosamente anni ’80 che vede gli zombi come semplici quanto efferate creature senz’anima lente, stupide e pronte mordere qualsiasi cosa viva gli capiti a tiro.

Loureiro è cresciuto con i film di Romero. E non fa assolutamente niente per nasconderlo. Per questo il primo capitolo di questa sua trilogia è così ben riuscito.

Qualsiasi amante della trilogia zombi di Romero riconoscerà all’interno di questo romanzo scene e personaggi che da troppo tempo non si trovano in film del genere. Ed è forse questa la cosa che più manca al filone zombi cinematografico.

Quella che viene raccontata qui, è un’epidemia devastante, che annienta la civiltà come noi la conosciamo, lasciando spazio solo agli istinti di sopravvivenza e prevaricazione che da sempre gli uomini portano con sè. Quello che, però, si lascia apprezzare, è la totale assenza di eroi da copertina pronti a risolvere la situazione con il sorriso sulle labbra e la battuta pronta. Qui le persone piangono, sono spaventate, sole e disperate e tendono a morire appena si distraggono un attimo. L’atmosfera non è mai distesa, anzi, qui l’inferno viene portato sulla terra in modo esemplare, sporcando e facendo marcire ogni cosa e senza lasciare alcuno spazio alla positività.

Vincente anche l’idea di ambientare tutto in Spagna (anche se gli avvenimenti, almeno fino al totale isolamento mediatico, si svolgono più o meno contemporaneamente in tutto il mondo), considerando che l’autore è un avvocato spagnolo. Questo aiuta il lettore a capire subito che Loureiro ha un’autentica passione per l’horror, e per gli zombi in generale, e che di questa passione ha fantasticato per ore e ore trascorrendo le giornate, raccogliendo le idee e prendendo appunti su come realizzare la sua opera.

Sarebbe impossibile raccontare, anche con poche parole, la trama. Ma se si prendono i primi tre capitoli della saga di Romero, e si tagliano le scene in cui le cose sembrano volgere al meglio, si ha un’idea più o meno fedele di quello che aspetta nelle pagine di questo libro.

Fa sempre piacere veder raccogliere degli ottimi frutti dalla passione pura per un genere che è stato da prima snobbato e deriso, e successivamente invaso da vampiri romanticamente problematici ed effemminati e da licantropi palestrati che pensano a tutto tranne che al sangue e alla caccia. In un panorama letterario in cui la disperazione e il marciume dell’horror puro è stato troppo spesso dimenticato a favore del glamour e dei troppi glitter, questo Apocalisse Z risulta un’ottima ventata d’aria fresca.